Schwärze und Oxid sixties: Trauerfeier in Berlin mit Harry Palmer. Michael Caine, der Cool und die weltlichen Spione.

Trauerfeier ist in Berlin das zweite Erscheinen (und mein Liebling, von hier die Wahl) vom weltlichen Spion Harry Palmer nach der vortrefflichen (und schon sehr ungekochte in seinem Einschlag der geistigen Behandlung) Ipcress (1965) der vergessenen verspricht Sidney J. Furie und vorige der unheilvollen und dumm paródica Das Gehirn der Billion Dollar (1967) Höflichkeit des Hysterikers Ken Russell (die Auferstehung der Persönlichkeit in den 90 mit den Fernsehbullet to Beijing und Mitternacht in San Petesburgo abziehend, den sie in einem halb-abgelegenen Palmer) und eine der Werke Gipfel des Kinos der Spione während der fruchtbringenden 60 des kalten Kriegs wieder aufnahmen. Zeitgenosse anderer prächtiger Beispiele als Verschwörung in Berlin (1966) von Michael Anderson, in der George Seagal gesendet ist, nachdem neo-Nazi einen Grupúsculo demontiert hat, während sehr typische Paranoikerin des Talents ohne Umsicht von seinen Oberen in einem Einschlag für die für einen Verstorbenen Genannte Bosheit des großen Schriftstellers Harold Pinter, (1967) manipuliert ist, eine Mäßige (und etwas bleierne) Beitrag von Sidney Lumet, die dunkle Alltäglichkeit des unentbehrlichen Er Carré, über dem Selbstmord eines Agenten und der späteren James Mason beauftragten Forschung oder dieser Höhle von in der Schäbigkeit anpassend, die Der Brief des Kreml (1969), eine meisterhafte Arbeit von John Huston unbillig vergessenem und schon kommentiert hier ist.

Die Angelegenheit ist in dieser Gelegenheit fließender als dieser von Ipcress (prächtiger die eingehende Akribie auf den Empfängen und bürokratischen Erlaubnissen, die sie jedes Zaubers bis des Berufs berauben) und einfacher Auftrag Palmer mit einem, scheinbar, in Berlin verwickelt: In einer (Voraussetzung) sowjetischer Fahnenflüchtiger herauszuziehen, den ein unvergesslicher Oskar Homolka in einer unterhaltenden und sibyllinischen Persönlichkeit interpretiert, die Freundschaft mit unserem Protagonisten verbinden wird. Aber natürlich wird alles viel komplizierter und dick sein, wie das Gesetz in der Gattung ist. Die komplizierte Erzählung (beschuldigt Nazi mit Änderungen der Identitäten, gekreuzten Agenturen und Gold durch die Mitte) Einflüsse des Kinos der Detektive (der Agent scheint in Schleppen, erprobtes und gesiebtes durch den Einschlag von einem Platz bis anderen zu gehen und ohne Umsicht) und ein ätzender Humor in seiner wahrheitsliebenden Beschreibung der grässlichen Unterwelt benutzt ist, (Vernichter in diesem Sinne die Persönlichkeit des Chefs von Palmer genial interpretierte wieder von einem eisigen Guy Doleman, der, nicht die Unkräuter sondern die Blumen seines Gartens y) in dem beschneidet, der auf eine Weise so unversöhnliche wie agradecidamente abgängig von Ansprüchen wiederbehandelt, was sie positiv von Gebieten so bleiernen wie dieser der angesehenen Der Spion entfernt, der vom Frió, gerichtet von Martin Ritt in 1965 erschienen ist, (wieder ein originaler von John Le Carré), für einen abschließenden Richard Burton.

In irgendeinem Fall ist er mit dieser Schule der dunklen, sarkastischen und luzid grausamen Filme ist mit denen, die es nötig ist, in der Schöpfung icónica von großem Michael Caine, destilliert von echtem Cool mit seiner Brille von Paste, seinem Mackintosh und dieser Miene auszurichten, die Abneigung, cinísmo vermischt und Ironie, eine denkwürdige Interpretation, die den Schauspieler in Stern verwandelt hat und einen darstellerischen wirtschaftlichen Stil in höchster Grad bescheinigt hat. Und das, weil er, obwohl er unleugbar als ein "Anti-Bond" geboren wurde, (erzeugt gleich von Harry Saltzman, um keine Lücken zu lassen, ohne zu bedecken) mit irgendeinem Typ der Parodie nicht nichts zu tun hat: seit den Descacharrantes gominolas würdest du Pop Del Flint De James Coburn oder Matt Helm von Dechanten Martin, bis die Hunderte von Imitationen von "Kino noch einmal", mit Sachen als 3-S-3 von Sergio Sollima und Giorgio Ardison, dem französischen OSS-17 mit Leitung, zwischen anderen von Andrè "Fantomas" Hunebelle und führender Rolle für die Amerikaner Kerwin Matthews oder John Gavin, die Zeit mehr Desprejuicida von Chabrol und seinem Tiger mit Roger Hanin, das triumphierende Istanbul 65 von Isasi-Isasmendi oder sogar sie pulp von Jesús Franco und Eddie Constatine zwischen Produktmenge und überfüllten Nebenprodukten von Unverschämtheit und Witz rücken. Schließlich … für einen sehr empfehlenswerten kleinen Überblick der Artikel vom Spionistico gewidmeter Carlos Aguilar in dieser fabelhaften Miniatur, der in Europa Gemacht ist. Gut im Gegenteil, ist das eine ungekochte Entmythologisierung, die er in der stilisierten parallelen Welt von James Bond fílmico entgegenstellt, ein Blick ist auf der Spionage, wo die Entmenschlichung regiert und dem Verrat die offizielle Münze. Aber, jenseits der humoristischen oberflächlichen Anmerkungen (wenn er triumphiert, er es mit einer israelischen Agentin, Eva Renzi, macht und sie nur verführt, weil diese Paar braucht, zu seinen Zielen) oder sogar von Anblicken "der Kampf-der Klassen" zu kommen (Palmer ein funktionierender Cockney und Bond ein Sohn von Eaton ist), Typenlehre die zwei in einem viel tieferen und weniger einleuchtenden Niveau gegenüberstellt: Bond als perfekte Maschine von von rampante amoralidad und Zynismus, gegen einen Harry Palmer töten, (deren Name natürlich erfunden wurde außerdem einen besonders harmlos suchend, für die Filme, da er in den vorigen Romanen von Len Deighton am gleichen Mangel hatte), der nicht nur nicht zauberhaft ist, sondern, gegen die 007 er eine eiserne ethische Kode und eine rebellische Willenskraft hat; einer der interessantesten Punkte ist von der Sage, dass der Protagonist gezwungen ist, um ein Spion mittels der Erpressung zu sein; Palmer ist ein Ladronzuelo von geringe Wichtigkeit, die seine Verurteilung bezahlt, für den MI6 arbeitend und immer versucht, sich aller Desganado und herausfordernd zu zeigen, der kann. Um die Verwandtschaft mit der Freiheit Bond aufzurunden, ist der Beauftragte der handwerkliche (und diskret) Guy Hamilton, einer der gewöhnlichen Hersteller von der unendlichen Reihe von die Leitung führen (perfektes Beispiel der Idee durch und für die 60, die er nie von der Zeit ausgehen musste, für die sie begriffen wurde und in dem sich seine Arten und Geist als natürlich erweisen und nicht einen grotesken Anachronismus), die hier seine beste Arbeit verwirklicht, mit einer vibrierenden von der vortrefflichen Fotografie geholfener Inszenierung (Exemplar dem Austausch des Särge) von Otto Heller, der sich schon mit der ersten Ausgabe beschäftigt hatte und auch wird er von erfolgreichem Alfie (1966) von Lewis Gilbert, der auch enden würde, um Bond mit wenig Grazie in der immer noch sympathischen Nur zu richten, zwei Male (1967) und in den Infumables Die Spionin erlebt, die mir (1977) und Moonraker (1979) mit Roger Moore geliebt hat, sich blamierend.

Trauerfeier in Berlin (Trauerfeier in Berlin)

Direktor: Guy Hamilton

Jahr: 1966

Land: Großbritannien

102 Min.

Er fotografiert: Otto Heller

Musik: Konrad Elfers

Standarte: Evan Jones nach dem Roman von Len Deighton Funeral in Berlin, 1964

Ich verteile: Michael Caine, Eva Renzi, Paul Hubschmid, Oskar Homolka, Guy Doleman, Hugh Burden, Rachel Gurney, Marthe Keller

Archiviert bajo:60's, British, Trauerfeier in Berlin, Innung von Handwerkern, Guy Hamilton, I Spy, Thriller Tagged: Aktie, Deutschland, anti-Bond, Anti-Held, Mord, Zynismus, Stadt, cool, Verbrechen, Grausamkeit, entmenschlicht, Spione, Funeral in Berlin, Brille, kalter Krieg, Guy Hamilton, Harry Palmer, Harry Saltzman, England, Ironie, Len Deighton, Behandlung, Michael Caine, sixties, Schäbigkeit, spionistico, Würfe

Pflügen Sie You Ready To Be Heartbroken?: Leute von Sunset Boulevard, eine grausame Posse in Cinearchivo.

"You say yoúre so happy now
You Hund hardly Stand" Lloyd Cole und The Commotions

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Loskauf über Cinearchivo und von seiner frischen Ausgabe in DVD, von einer der am meisten vergessenen (wenn nicht direkt unbekannte) Juwele der 90. Verloren, vielleicht durch seinen absoluten Fehler der Bewilligungen und einer aufrichtigen Laune und verista, der den symbolischen und metatextgetreuen Bestandteil nicht ungültig macht.

Seit der Klarheit verwirklichtes Selbstfiktionskino von gewöhnlichem charakteristischem Barry Primus, hier mit der unentbehrlichen Hilfe von Robert De Niro als Erzeuger, in Funktionen von Drehbuchautor und Direktor der schamlosen Posse, descacharrante und schmerzende auf den Verzichten, dem Misserfolg und dem (physischen und Lebens-) Suicido im Abwracken von Hollywood debütierend.

Archiviert bajo:90's, Barry Primus, Cinearchivo, Komödie, Leute von Sunset Boulevard, Satire, USA Tagged: Selbstfiktion, Barry Primus, Kino, Cinearchivo, Komödie, grausamer, Posse, Misserfolg, Leute von Sunset Boulevard, Hollywood, schamlos, Martin Landau, Metafiktion, Mistress, Pathos, Pessimist, Robert De Niro, Robert Wuhl, Satire, Selbstmord

"Diese vergiftete Rose": Die Mühle der Steinfrauen. Schönheit zwischen Welten, verzweifelte Eltern, fieberhafte Liebhaber. Ein kleines Juwel von Giorgio Ferroni

"The poisoned Rose
That you gave to ich
It left ich half alive
And half in ecstasy" Elvis Costello.

Die Mühle der Steinfrauen (Il mulino Delle ich donne pietra gegeben habe)

Direktor: Giorgio Ferroni

Jahr: 1960

Land: Italien / Frankreich

90 Min.

Er fotografiert: Pier Ludovico Pavoni

Musik: Carlo Innocenzi

Standarte: Remigio Del Grosso, Giorgio Ferroni, Ugo Liberatore, Giorgio Stegani nach der Erzählung von Pieter Van Weigen (¿?) verteile ich: Pierre Brice, Scilla Gabel, Wolfgang Preiss, Dany Carrel, Herbert Böhme, Liana Orfei, Marco Guglielmi, Olga Solbelli, Alberto Archetti

Die italienische Gotik ist vielleicht, die anregendeste, kreative und begreifend dichte Periode des italienischen Fantaterror und zum Unglück immer noch einer von am wenigsten erforscht oder gekannt, um unter dem suchterzeugenden gelben Schreihals geheim geblieben zu sein, der ihm geschehen ist.

Giorgio Ferroni hat in den Glanz der ersten 60 ein Stück des ästhetischen Kalibers und die romantische - übergeschnappte Tiefe von dieser Die Mühle der Steinfrauen eingebracht und hat gleich im unerwarteten und willkommenen Comeback der Gattung über eine Dekade später mitgearbeitet (der gnädigerer Augenblick für eine Gattung, die vom Tod behandelt, es einmal gestorben filmen, wie er schon hier erklärt geblieben ist). Eine kurze Auferstehung, die versucht hat, von "goticismo" die Ästhetik setentera herrschende zu infiltrieren (oder vice versa), angetrieben genau von den originalen Schöpfern, Bava, Margheriti, Freda … oder er Selbst, der die wiedererlangbare Die Nacht der Teufel (1972) mit Gianni Garko und entwaffnendem Agostina Belli eingebracht hat, eine Anpassung Der Familie Vurdalack von Alexei Tolstoi, der schon von Grundlage bis einen der Kapitel vom vortrefflichen Stück "baviana" drei Gesichter der Angst 1962 gedient hatte.

In diesem Fall ist die Geschichte streng von Ultragrabstätte nicht, wie er obligatorisch war, sondern, die schöne, ein Scilla Gabel, der reines Erscheinen ist nicht völlig gestorben ist, obwohl sein Zauber und der ungesunde zärtliche Trieb, den er aktiviert, dadurch nicht spüren; sondern in manchem Zwischen-Estadío zwischen dem Leben und dem von einer Krankheit befallenen Tod, in im Blut, das sie zu standhaften vollständigen Umfüllungen zwingt. Eine Art von "vampira von der Wissenschaft" die eine von anderen jungen Männern geliehene Zeit erlebt, in denen nie kommende bleibende Kur ein ärztliches Unheil in seinem standhaften Dienst zur Ader lässt, in dem ein klebriger Herbert Böhme auf der Suche nach einer interpretiert, und der ihm erlaubt, seinen ungesunden Einfluss auf einem verzweifelten Vater zu halten.

Der Sinn des Irrsinns, des unmöglichen Orts des Filmwachens, das den Film präsidiert, (entsteht die Gattung und durch Ausdehnung) in dieser Gelegenheit, und in seinen besten Augenblicken, von der Vorstellung des Fantastischen. Eine Neuschöpfung doppelt Inszenierung während seines erstaunlichen zentralen Blocks, in dem, die Persönlichkeiten und der Direktor in einer Zeit in Funktionieren einer phantasmagorischen Fiktion und alucinatoria bestimmt so viel den fieberhaften Liebhaber Pierre Brice verbinden mit (der mythische Winnetou für romantischer Westerns auf Karl May für Rialto, der hier zwischen dem Weltlichen und dem Ultraboden, zwischen der Bequemlichkeit und der Aufwallung), wie in uns Selbst, explicitando sofisticadamente die eigene Natur des der Mitte zauberhaften / unwirklichen Betruges besprochen wird.

Wenig kann man mehr hinzufügen, ohne sie komplett auszuweiden, (der auch nicht das ist), jenseits seine Einflüsse / Hinweise in Den Verbrechen des Museums des Wachses (1953) von André De Toth nachzählen (genialer diese Reitervorführung "der Steinfrauen", die die Schuld in seinem Gehäuse) und in der neugierigsten Herstellung von Robert Baker und Monty Berman (mit allem verbergen, was das betreffs trübseliger Geschmäcke und grandguignolescos bedeutet), Das Blut des Vampirs (1958) von Henry Cass unter Standarte von unentbehrlichem Jimmy Sangster, diesen schon anwesenden Bestandteil ärztlichen / kränklichen früher in den Fundacional I vampiri (1956), eine außerordentliche Gegenwartsrevision des Mythos von Gräfin Bathory und der ewigen von von Bava begonnenen abgeschlossener Freda und Jugend (sogar) eingliedernd oder den tonalen und thematischen Parallelismus (die Geschichte des Vaters, hier ein prächtiger Wolfgang Preiss, degradiert bis das Verbrechen und den Wahnsinn, um eine Tochter) mit Den Augen ohne Gesicht (1960) von Georges Franju oder Schreien in der Nacht (1961) von Jesús Franco zu retten. Und sich natürlich mit der Reinheit seines Stils zu wundern, einer Barock- und ungestümen Planung, die das Entsetzen in Tragödie umbilden wird, mit seiner fast Tastchromatik (diese symbolischen gelben und roten Kleider, die die Protagonistin) oder mit der Partei zur Schau stellt, die Ferroni in der praktisch einzigen Bühne herauszieht, diese Mühle des mäßigen äußerlichen Scheines, der eine innerliche Hölle, perfekte Metapher von geschlängeltem Dr. Loren Bohlem verbirgt. Der schönste Film, den über eine Periode verdient, die sich viel mehr verdient macht.

Archiviert bajo:60's, spezieller Agent (entschlossener The big), Die Mühle der Steinfrauen, Fantastique, Gotik, Giorgio Ferroni, Innung von Handwerkern, Entsetzen, Italien, Melodram Tagged: in der Italienerin Reitervorführung, Wissenschaft, Verbrechen, Andacht, Der Mühle der Steinfrauen, Fantastique, Figuren, Gotik, Giorgio Feroni, Tochter, Entsetzen, Medizin, Melodram, Tod, Vater, Pierre Brice, Vorstellung, romantischer, Blut, Scilla Gabel, ultrtumba, vampirismo, Wolfgang Preiss Streaming NCIS S07E18 Jurisdiction free

"Don'T you know that it's different for girls?":El WIP, Aufschwung und Fall der Unter-Gattung. Zwischen Jesús Franco saugt Roger Corman und Eddie Romero, 99 mujeres/Black, white saugt er

"I know, in lot of things that you don't
You wanna hear some?" Joe Jackson

WIP oder Women In Prison (ich nicht glaube die Terminologie, dass er größere Erklärung braucht,), verdrehte und klebrige Unter-Gattung, wo es sie gibt. Mit Ursprüngen, die bis Juwele wie Mädchen in Uniform (1931) von Leontine Sagan nachgespürt sein können, singe ich (die Haft durch ein Internat der Fräulein tauschend), in der Freiheit und der sapphischen Liebe in einem Deutschland am Rande des Nazismus oder sich in klaren angesehenen Präzedenzfällen zu befinden wie Ohne Übersendung (1950), des wiedererlangbaren Handwerkers John Cromwell ich ein hartes soziales von Virginia Kellogg geschriebenes Drama, ein Jahr früher guinista von der grandiosen In roter für Raoul Walsh und diese Gelegenheit lebe, eigene Erfahrungen behandelnd.

Jesús Franco hat ihm Farbe und eine Verderbtheitshand gegeben und hat es 1968 mit diesem Fundacional 99 Frauen … wiederformuliert und von hier kostet er unten, tausendmal geplündert sein Gründe (durch eigenen Franco den ersten, obwohl sie die Japaner waren, die authentischen Stil und Delirium in Sachen als die Sage von "Frau Gefangener eingebracht haben" und in viel mehr rasenden und benutzerdefinierten Nebenprodukten), von Europa bis Amerika mit Stillstand in Philippinen zurückstoßend und von hier, wieder dem Europa von Ilsa, die Wölfin der SS (1975), Degradierung der Degeneration ambientada, paradox, im Röcheln des Nazismus abstürzend.

99 Frauen (99 women)

Direktor: Jesús Franco

Jahr: 1968

Land: Deutschland / Italien / Spanien

99 Min.

Er fotografiert: Manuel Merino

Musik: Bruno Nicolai

Standarte: Milo G. Cuccia, Carlo Fadda, Jesús Franco

Ich verteile: Maria Rohm, Maria Schell, Herbert Lom, Mercedes McCambridge Rosalba Neri, Elsa Montés, Luciana Paluzzi

99 Frauen setzt er, nicht nur einer der befriedigendesten und gelungenen Wertpapiere von zwischen dem griesgrämigen und unregierbaren Filmverzeichnis von strömendem Jesús Franco voraus, sondern einen historischen unschätzbaren Wert der Erfinder dieser fiebrigen Untergattung, der dieser Film nicht nur Brief der Natur erteilt, sondern er begründet eine Reihe von erzählenden, ästhetischen Urbildern und tipológicos lässt, die vom Sadismus bis zum sapphischen Erotísmo, von der ungesunden Grausamkeit und pegajosamente attraktive in der Zusammensetzung der Galerie der Persönlichkeiten umfassen, die machaconamente in allen und jeder einige von den Erklärungen der Angelegenheit wieder erscheinen werden anhäuft (oder so) im Wesen.

So treffen wir die vollständige Ausrichtung von Persönlichkeiten, ein Musterbuch von persönlichen Tragödien und unbillige Strafen von brutaler Maßlosigkeit, Franco von sie alle Sichtbar gemachte mit einer echt seiner Inszenierung und nämlich die freiste und abstrakte (die Verletzung der Persönlichkeit der von Gründen voller Röhm), Rückläufige (Neri als erotische Tänzerin der unmöglichen Kleidung) und hypnotische Musikerin gegenüber der viel enthalteneren Inszenierung (obwohl sich das formale Styling, in Augenblicken hält wie ich sie zwischen den Protagonistinnen sichtbar gemacht mit kurzen Ebenen und falschen Einstellungen erotisch finde, die die Körper und den Raum) von diesen Gefängnis- oder waldigen, angeklebten Szenen zerlegen, worin er von einer berufsmäßigen Herstellung der niedrigen Voraussetzung erwartet wird.

Wir treffen schon die unschuldige, die enden wird, um die Gruppe, zu Lasten von der fabelhaften und gewöhnlicher von Franco der Zeit Maria Röhm (Gemahlin des Erzeugers der Erfindung Harry Allan Towers) zu führen, sattelfester altgedienter Elisa Montés, die junge Idealistin würdest du mit Verbindungen Politiker / revolutionieren, dass sie den Versuch der Flucht ermöglichen werden (Valentina Godoy, die kurz mit dem Direktor in Der Stadt ohne Männer wiederholen würde), die die Folter nicht unterstützt und, sie die hübscheste Luciana Paluzzi fast wie Janet Leigh in Psychose (1960) … und natürlich der treulose Guardesa interpretierte hier mit Frevel große Mercedes McCambridge unterliegt, die dem abstoßenden örtlichen Statthalter frisches Fleisch zu erleichtern beginnt, den ein mit einigen Immortellen charakterisierter Herbert Lom genial gafitas von Sonne runde interpretiert, Bart und ein dunkelbrauner und rasierter Schädel, die mitarbeiten, um ihm einen unvergesslichen Anblick des Nichtaldigers von Tebeo zu geben (und der eine Szene rein sadiana von eingeschobener Verletzung und voyeurismo verderbt die Hauptrolle spielt, so machend, dass Rosalba Neri Maria Röhm in der Krankenstation des Gefängnisses missbraucht, so diesen Sinn der Herrschaft über die sexuelle Verderbtheit zeigend, die echter Strich des besten Franco ist). Der Katalog wird von einem Paar unentbehrliche Charaktere mehr, gelegte beide als friedliche und schädliche Punkte in entgegengesetzten Orten der Bilanz aufgerundet: die idealistische kommende Beamtin (bleibt erinnert besonders von seinem großen Papier in diesem seltsamsten Wildwestfilm von Delmer Daves, um die Haft zu reinigen und der gegen eine Mauer des luziden Pessimismus typisch franquiano fahren wird und der in Amt, nichts weniger als von bezaubernder Maria Schell ist, dass das Der Baum des Gehenkten ist, 1959) und schließlich die denkwürdigste Gegenwart des Films, eine verhaftete Petze, depredadora sexuelle, verräterische und gefährliche (obwohl parcilamente erlöst von der gewissen Zartheit, dass mit Achtung Protagonist Flügel in der fühlt, die corporeiza mit seinem unwiderstehlichen Physiker der Mentada Rosalba Neri (genialer seine Vorstellung, einige Strümpfe) mit seiner harten Miene des Stolzes sich aufstellend, jedermann der Ebenen raubend, in denen er ausgeht und sogar einer von jenen, in denen er nicht ausgeht.

Das Ergebnis, jenseits dieses Charakters fundacional, dass ich im Film einige enorme Wohltat bringe (und er hat schnell den Zapfhahn der Imitationen / Ableitungen geöffnet, in die derselbe Franco, zum Beispiel in Die Liebhaber der Insel des Teufels 1972 wiederverfallen würde, ohne weiter zu gehen, die Formel degradierend, bis es von sein weniger einleuchtende und grobe Anziehungskräfte enteignend), er sich von der gewöhnlichen Weite als sehr zugestattet erweist (innerhalb wessen er Platz hat) aus den Herstellungen, die er für Allan Towers angegriffen hat (zwischen ihnen seine unterhaltenden Beiträge in der Sage von Fu-Manchú) und besonders von den prächtigen Verteilungen, die er während der Zeit gehandhabt hat. Alles wirkt zugunsten eines fertigen Resultón von europäischem Abenteuercómic der, dessen Innenraum einige der Besessenheiten Rückläufige des Autors über die "menschliche Dienstbarkeit", die Degradierung oder die Macht, einem unverzeichlich pessimistischen Ende mit alles Abgeschlossenes und desesperanzado nisten, der den Bestandteil des schrecklichen Spiels des Jagdflugzeuges vorweist, das kurze Heldentat unseres Heroins hatte.

Black saugt, white saugt er

Direktor: Eddie Romero

Jahr: 1973

Land: Staaten Vereinigte / philippinische

87 Min.

Er fotografiert: Justo Paulino

Musik: Harry Betts

Standarte: H.R. Christian, Joe Viola, Jonathan Demme

Ich verteile: Pam Grier, Margaret Markov, Sid Haig, Lynn Borden, Zaldy Zschornak, Laurie Burton, Eddie Garcia, Alona Alegre, Dindo Fernando, Vic Diaz Tras verursache ich durch zwei, der erste, die Inhaberversuchung diese Beschreibung "Ebenholz und Elfenbein" ertragen zu haben und von der unwiderlegbaren Prämisse abreisend, von der allein Disfrutable um einen Pestiño in sehr speziellen Bedingungen miteinander verkehrt, zu klären, dass er immerhin an Interesse nicht Mangel hat, um das abschließende und verformte Bild von diesem 99 Frauen behandelt oben ist, über die sie gut klar bleibt, dass die Natur involutiva vom Exploitation und seiner glänzenden degenerativen Geschwindigkeit (zwischen dem Jahr 1969 und 1973) und in zweitem Ende sein Wert als historisches Stück, um die kurze philippinische Seereise von Roger Corman zu kennen, dieser Mensch, der den Rasen wachsen sah.

So dass besser mit einer Kleiner Geschichte auf anzufangen, wie er dort gekommen ist: Anfang der siebziger besucht Corman in Philippinen sein Freund John Ashley, schlechter Schauspieler und ehemalige im Land ansässig gewordene Modezeichnung / Sänger der 50, wo eine Erzeugerin neben dem Direktor, auch Bösewicht, Eddie Romero gegründet hatte. Nachdem er die fertige Imbissbude im Freien sieht herunterrollen und herunterrollen mit allem versetzt Corman einen Produto Stil WIP (obwohl alles mit Hieben des moussierenden Blackexploitation, der nötig war, gut das Spektrum zu bedecken), die Jack Hill fertig hatte, in Puerto Rico in Philippinen gefilmt sein und so beginnt. Hill würde ein Paar Wertpapiere (The big Doll house und The big Bird cage 1971 und 1972 betreffend) berechnet auf konsekutive Weise (und Beschleunigung) und für die übernehmen, die zwei Schauspielern des Escudería gebracht werden würden: Pam Grier und Sid Haig. Das Ergebnis ist ein Finanztriumph (der ist, wovon alles geht) und so die Kette der Montage bald mit dem örtlichen Akkordarbeiter Rosmarin folgt, bis die 73-74 dirigierend, wo Corman sieht, dass er das bald ablehnt und neue Horizonten sucht. Von solcher Art ist das einer der letzten Exponenten von der philippinischen Herstellung der A.I.P, was nicht bedeutet, viel weniger, dass man aufhörte, die Sache auszupressen, der eigene Rosmarin würde versuchen, das Geschäft in demselben 1973 mit Woman Hunt, anscheinend im Stil böser Zaroff (1932) zu verlängern. (Für alles er sich als sehr empfehlenswert erweist, als Einführung der Saubere Makabere von in Spanien veröffentlichten Pete Tombs, 2003 durch lateinischen Kreis und das Festival von Sitges zu benutzen)
Und jetzt die Angelegenheit in wenn: Das, was er als ein kanonisches Unter-Gattungsstück beginnt (in der Minute vier wir schon alle Empelotadas in den Duschen haben, während man eine der Gefängniswärterinnen gefällt,) mit seinem Missbrauch und seinen Sadismen spionierend (sehr die gaffende light, natürlich, obwohl die metallene Kiste Rücken den allein mit ihnen Kahlen gegen espalada sein jener) und seine durch die friedliche und umfassende geteilten Guardesas und den fehlerhaften Pervertidilla hat, (von früher interpretiert von der Blondine Lynn Borden hervorgeht) schnell in krustiger Reformulierung und despechugada von jenem berühmtem Flüchtlinge (in dem nicht wenige Elemente des Filmes von Franco hinzugefügt werden) von bewusst gemacht harte Arbeiten Stanley Kramer mit Curtis und Poitier, gefesselte fliehend. Zwei Teile sind von bedauerliche fast gleich, aber die zweite verschlingt die Armut in jeder Hinsicht schon die ganze Erfindung (in, Jonathan Demme deren Standarte hin und her gerückt hat, im Maße wie er scheint), dass Protagonist kaum von der unleugbaren Schönheit des Duetts belebt ist (Aufmerksamkeit, die jede braguitas von seiner entsprechenden Farbe zur Schau stellt), Revolutionärin (ich das Ergebnis dieser Vereinigung beide anziehe runde Pam Grier als hartes Mädchen und schilfige Margaret Markov von pijilla ein Jahr später in viel mehr rasende The Arena (1974), als gladiadoras in einem unverzeichlich dekadenten Rom wiederholen würde, und in der Rosalba Neri als böse Chefin der Sklavinnen natürlich erschien. Ein vernünftig sympathischer Film und locatis innerhalb seiner vorausgesetzten Perroneros gerichtet von Steve Carver: mit Gehilfen von Aristide Massaccesi aka Joe D'Amato, jenseits der Fotografie? -, Unterzeichner des Despendolada Eine Mama ohne Bremse 1974 mit Angie Dickinson, die Heldentaten der anthologischen Blutigen Mama von 1970 verlängernd aber mit vielem mehr Folleteo), der den ganzen Plan der Flucht organisieren wird, um seinem "Pseudoguevariano" noviete in seinen revolutionären Versuchen gegen die verdorbene örtliche Regierung zu helfen. Das, was im letzten haarsträubenden Drittel das Stichwort gibt, das vorhat, die epische Enttäuschung (sic) zu spielen.

Es bleibt die charismatische Gegenwart von Sid Haig (wiedergeerlangt von Rob Zombie in seinem Sobrevaloradísima Das Haus von 1000 Leichen, 2003) in einem seiner exzentrischen Persönlichkeiten, ist in diesem Fall ein Kleid Nichtaldiger von Cowboy und Liebhaber der Country-Music, oder einem Paar abstoßende von Vic Díaz die Hauptrolle gespielte Augenblicke, Rückläufiger des philippinischen Infracine dabei. So schließt die Odyssee schmerzliche Aktie, drollige Laune, wortkarge Erotik und den schwülsten Kampf nie gefilmt (oder fast ein) und sogar erlöst sie sein Ceporra Eigenschaft von Irredento exploit des Exploit.

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