"Die schrecklichen Kinder": Wind in den Kerzen. Oberflächen und Tiefen, das luzide Kino von Alexander MacKendrick

Wind in den Kerzen (In high wind in Jamaika)

Direktor: Alexander MacKendrick

Jahr: 1965

Land: Große Bretagne / Vereinigte Staaten

103 Min.

Er fotografiert: Douglas Slocombe

Musik: Larry Adler

Standarte: Stanley Mann, Ronald Harwood, Denis Cannan nach dem Roman von Richard Hughes Huracan in Jamaika, 1929

Ich verteile: Anthony Quinn, James Coburn, Deborah Baxter, Isabel Dean, Nigel Davenport, Gert Fröbe, Flieder Kedrova, Dennis Price

Wenn nur ein Direktor wählen sollte, in dem die Kategorie "des Klassikers" systematisch er racanea es nicht bezweifeln würde, würde er unmittelbar die Fahne auf Alexander MacKendrick stellen. Echter Autor der kurzen und kompakten Karriere, die seine enttäuschte und pessimistische Spur, seine grausame Auffassung des menschlichen Wesens sogar in scheinbar gütige Komödien, ein Kino gedruckt lässt, das wie das beruhigte Wasser ist: Du weißt seine Tiefe nicht, bis du dich drinnen begibst. Und wenn er zwischen seinem prächtigen Filmverzeichnis verpflichtet wäre, nur eine als perfekter Auszug ganzen seines Weltalls zu kennzeichnen, sollte diese sein,

Alexander MacKendrick und Edward G. Robinson während des Drehens von Sammy, Flucht gegen den Süden 1963

obligatorisch, Wind in den Kerzen.

Über MacKendrick habe ich schon hier geschrieben, sagen wir, als in zweitem Grad. Zwei Beschreibungen für das Portal Cinearchivo gleich konsignierten hier auf einem Paar seine Arbeiten für gerecht legendär (und innige) Erzeugerin Ealing: Der Mensch des weißen Anzugs und ergreifende Mandy (Film destacable nicht nur durch seine außerordentliche Qualität und Menschlichkeit, sondern um den ersten Einfall in der Welt der Kindheit, betrachteten immer einer Art vorzustellen, die komplett die Herablassung und den Blandenguería ausschließt, ohne dass es abgängige von Zartheit nicht verwickelt und wenn ein tiefes Verständnis). Für das britische Haus hat er auch sein Debüt, entzückende Whisky Galore gefilmt! (1949), eine von Pintoresquismo volle Komödie und bonhomía ambientada in einer Insel, die in volle 2ªGM ohne Lieferung von "Wasser-der Weisheit" bleibt, während ein überfüllter Frachter der gleichen gegenüber seinen Küsten und anderen zwei Komödien mehr sinkt: die auch The Inselmaggie (1954) und die berühmte Das Quintett des Todes (1955), ein denkwürdiger Film, in dem einer der Lieblingsthemen schon in ganzem seinem Glanz vom Direktor betrachtet wird: das destruktive Fassungsvermögen der Unschuld. Etwas, was schon im Menschen des weißen Anzugs getarnt war und das hier den angenehmen Schein eines entzückenden Viejecita nimmt, der eine Bande von Verbrechern dezimiert, ohne sich zu informieren.

Die pessimistische Schwärze und sein negatives Sehen des Menschen werden im Tier in seinen ersten amerikanischen Film unter den Vorzeichen von immer aufmerksamem und rastlosem Burt Lancaster eintreten, der Erpressung in Broadway (1957), eine zerfetzend Arbeit erzeugt, auf Clifford Odets von Standarte grundlos, einer Bitterkeit und Klarheit bringt er heran (oder mit der Entschuldigung), von die journalistische Welt Canallesco und die Nähen des Komödiantentums funken. Tony Curtis übernimmt den abstoßenden Mitprotagonisten, der die Typenlehre des Emporkömmlings ohne Gewissen einführt, der Egoist, der vorhat, die Umgebung zu seiner Gunst zu manipulieren. Obwohl das, was er hier macht in Wirklichkeit, darin besteht, es eher in der Vollkommenheit zu bestimmen, weil die Persönlichkeit von Alec Guinnes in (wieder) Dem Menschen des weißen Anzugs schon seit einer Optik gesehene Striche ähnliche aber von humoristischem Cartoon und giftiger Satire im Grund aber freundlich in der Oberfläche vorstellt. Machen Sie etwas Ähnliches dazwischen, was MacKendrick im Band verwirklichen würde, dass das sein Abschied, die erfolglose und unverstanden in seinem Tag war, (und heute immer noch hängender aus Revision) keine Wellen (1967), gedrehtes Porträt der amerikanischen Gesellschaft des Triumphes, kohärent ambientada in einem fortwährend sonnigen Kalifornien von schöne und reiche, zu der ein Tony Curtis jeder Zynismus Zugang haben will.

Zwischen Strümpfen dieser Arbeiten verkrusten sie (außer einigen Arbeiten, ohne und mancher anderer vereitelter) zwei Filme von kindlichen Abenteuern, Sammy, Flucht gegen den Süden (1963) nachzuweisen, dass ich beklage, gesehen zu haben nicht und dass er mit immer großem Edward G. Robinson und diesem wesentlichen Stück rechnet, das Wind in den Kerzen ist.

Und so kommen wir zu ihr, aber sie ist es obligatorisch, bevor wir eintreten um, ein bisschen zu beschreiben, die seltsame Abneigungsbeziehung festzustellen, dass MacKendrick, ein Mensch im Übrigen übertrieben bescheidener, dass Wichtigkeit immer abnahm, wenn gleicher und in seiner Arbeit ein bisschen nach Art des Mario Bava, er hinsichtlich dieses Meisterwerks fühlte. In einer fantastischen 1988 verwirklichten Zusammenkunft von Antonio Castro in der Zeitschrift Gerichtet durch … (freundlich angepasst der Direktor von Christian Aguilera, dem ich dafür unendlich danke und der auch in Blicken des Kinos gelesen sein kann), mit extremer Rohheit, seine Betrachtung des fehlgeschlagenen und sogar frustrierenden Films klärt, nachdem er sich vom Projekt entfernt hat, das original in Geist hatte, (und der während vieler Jahre hatte, da er während der 15 versucht hat, im Kino den hervorragenden Roman von Richard Hughes zu bringen), in dem der Standpunkt, den er im Zuschauer führte die erzählende Mitte, ausschließlich dieser der Kinder war, statt sich gegen die Persönlichkeit von Coburn zu verschieben, die der ist, der die Tatsachen "von draußen" betrachtet. Dieses Projekt, das er nach seinen eigenen Wörtern Zanuck, der der Haupterzeuger war, nie ihnen erlaubt hatte zu filmen, wurde im Tisch der Montage sogar beschnitten, ein Vorwort ausrottend, das er Rechenschaft des Lebens der Kinder in der Insel ablegte (eine der besten Teile vom Roman natürlich, den sein Neugieriger Zustand, zwischen der Zivilisation und der Wildheit und seiner Beziehung mit seinen Sklaven, seinen Eltern und besonders zeigt, die Erfahrung des Todes, etwas, dass späterer Seeräuber Punkt durch Punkt in seiner Odyssee wiederholen wird). Sicher ist er, wenn das Ergebnis beeindruckend ist genauso wie geblieben, er erschüttert, zu denken darin, was ein Film sein konnte, in dem ein Kritiker von time Magazine im Augenblick seiner Einweihung als "… bestimmt hat, Shirley Temple zu sehen, ein fröhliches Lied in einem Schiff zu singen, während er in einem Jungen zerteilt".

Dieser Satz bestimmt auf argloser Shirley mit Witz von Punch line die unheilvollen Eingeweide des Filmes, der die Gattungsleichtigkeit und das gesüßte Gift spielt, während der Desmitificador grässlich die Dämmerung der Gattung und der Zeit mit dem freien Anblick der grausamen Fabel vorweist (er nicht kostenlos ist, beschreiben Sie von den Nichtaldigern ausführlich, Transvestiten das Schiff angreifend, in dem die Kinder reisen). Eine Erzählung für Erwachsene reicher an ungesunden Einzelheiten (die Kinder, mit dem Kopf der Figur der Galionsfigur spielend, während die Seeräuber, … terrorisiert bleiben) und seltsame Beziehungen, die die Liebe, die Besessenheit und die gegenseitige Faszination, innerhalb eines komplizierten begreifenden und dramatischen Fachwerks schmelzen / verwechseln, das Umgebung im Austausch der Verzeichnisse, in der Macht und besonders in diesem destruktiven Fassungsvermögen der Unschuld schon berichtet früher dreht. Ein Umsturz, der das Reaktionsfassungsvermögen vor der nahe bevorstehenden Katastrophe und der corporeiza in dieser Gelegenheit in diesem Sehen personalísima vom kindlichen Weltall ungültig gemacht lässt, das nichts mehr gestattet, der die Wahrheit und der erreicht ist, (entsteht und hier ich "intertextualizo" in gleicher) mit einer Einfachheit, die er von Beobachtung und tiefem Verständnis vermischt, von welcher ein Fassungsvermögen von psychologischem Eindringen und einer erstaunlichen, gnädigen Empfindlichkeit zum Nachahmen und eine kindliche Denkweise zu übertragen, ohne zu fälschen. Mit ganzer seiner komplizierter Form, seiner absurden Logik und seiner ungekochten Schönheit. Ein Triumph jetzt allein vergleichbarer im Lehramt von Hayao Miyazaki, besonders in der ergreifenden Reinheit dieses Meisterwerks, das Mein Nachbar Totoro (1988) ist. Der Autor behandelt die Kinder wie Erwachsene, noch wie in Idioten nicht. Er behandelt sie wie in Kindern. Seine Kammer gehorcht den Vorschriften von John Ford; er wird auf der Höhe vom Blick gestellt. Er rahmt sie seit derselben Ebene, sowohl physischer als auch moralischer / intellektueller ein. So neigt dazu, die übertrieben weitverbreiteten Linien zwischen dem Gut und dem schlechten Klang und dem Gewissen, mehr inmitten des ähnlichen Milieus von Barbarei und Abenteuer, ersetzt für gut verschiedene Werte zu verschwinden, auf der Hülle des Schiffes dieselbe Dichotomie zwischen Wildheit und Zivilisation sich wiederholend, die sie in der Insel aber mit dem Unterschied der Abwesenheit des Gegengewichts parental erprobten. Von gleicher Art wird der Tod ein basisches Element der Reise sein, so viel ist die wirkliche (einer der Brüder nebensächlich sterben wird und das Schicksal der Captores) wie symbolisch verhängnisvoll versiegelt.

Aber natürlich hält sich diese ganze einflussreiche Last als ein bereicherndes Substrat und sibilinamente geduckt unter seinem ausgelassenen Anblick, seiner formalen sauberen und einfachen Schönheit, seiner vibrierenden Leitung, seinem großartigen Soundtrack und einigen großen Interpretationen seiner sensationellen Verteilung besonders von einem Anthony Quinn, kindlichem und besiegtem, und einem Turbadora Deborah Baxter der magnetischen und beunruhigenden Gegenwart, gleichzeitig hilflose und unversöhnliche. Ein ergreifender, aufrichtiger und durchdringender Film, der sich mit einem der brutalsten Enden von der Geschichte des in seinem Frömmigkeitsfehler erschütternden Kinos, schließt.

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