"Die schrecklichen Kinder": Wind in den Kerzen. Oberflächen und Tiefen, das luzide Kino von Alexander MacKendrick

Wind in den Kerzen (In high wind in Jamaika)

Direktor: Alexander MacKendrick

Jahr: 1965

Land: Große Bretagne / Vereinigte Staaten

103 Min.

Er fotografiert: Douglas Slocombe

Musik: Larry Adler

Standarte: Stanley Mann, Ronald Harwood, Denis Cannan nach dem Roman von Richard Hughes Huracan in Jamaika, 1929

Ich verteile: Anthony Quinn, James Coburn, Deborah Baxter, Isabel Dean, Nigel Davenport, Gert Fröbe, Flieder Kedrova, Dennis Price

Wenn nur ein Direktor wählen sollte, in dem die Kategorie "des Klassikers" systematisch er racanea es nicht bezweifeln würde, würde er unmittelbar die Fahne auf Alexander MacKendrick stellen. Echter Autor der kurzen und kompakten Karriere, die seine enttäuschte und pessimistische Spur, seine grausame Auffassung des menschlichen Wesens sogar in scheinbar gütige Komödien, ein Kino gedruckt lässt, das wie das beruhigte Wasser ist: Du weißt seine Tiefe nicht, bis du dich drinnen begibst. Und wenn er zwischen seinem prächtigen Filmverzeichnis verpflichtet wäre, nur eine als perfekter Auszug ganzen seines Weltalls zu kennzeichnen, sollte diese sein,

Alexander MacKendrick und Edward G. Robinson während des Drehens von Sammy, Flucht gegen den Süden 1963

obligatorisch, Wind in den Kerzen.

Über MacKendrick habe ich schon hier geschrieben, sagen wir, als in zweitem Grad. Zwei Beschreibungen für das Portal Cinearchivo gleich konsignierten hier auf einem Paar seine Arbeiten für gerecht legendär (und innige) Erzeugerin Ealing: Der Mensch des weißen Anzugs und ergreifende Mandy (Film destacable nicht nur durch seine außerordentliche Qualität und Menschlichkeit, sondern um den ersten Einfall in der Welt der Kindheit, betrachteten immer einer Art vorzustellen, die komplett die Herablassung und den Blandenguería ausschließt, ohne dass es abgängige von Zartheit nicht verwickelt und wenn ein tiefes Verständnis). Für das britische Haus hat er auch sein Debüt, entzückende Whisky Galore gefilmt! (1949), eine von Pintoresquismo volle Komödie und bonhomía ambientada in einer Insel, die in volle 2ªGM ohne Lieferung von "Wasser-der Weisheit" bleibt, während ein überfüllter Frachter der gleichen gegenüber seinen Küsten und anderen zwei Komödien mehr sinkt: die auch The Inselmaggie (1954) und die berühmte Das Quintett des Todes (1955), ein denkwürdiger Film, in dem einer der Lieblingsthemen schon in ganzem seinem Glanz vom Direktor betrachtet wird: das destruktive Fassungsvermögen der Unschuld. Etwas, was schon im Menschen des weißen Anzugs getarnt war und das hier den angenehmen Schein eines entzückenden Viejecita nimmt, der eine Bande von Verbrechern dezimiert, ohne sich zu informieren.

Die pessimistische Schwärze und sein negatives Sehen des Menschen werden im Tier in seinen ersten amerikanischen Film unter den Vorzeichen von immer aufmerksamem und rastlosem Burt Lancaster eintreten, der Erpressung in Broadway (1957), eine zerfetzend Arbeit erzeugt, auf Clifford Odets von Standarte grundlos, einer Bitterkeit und Klarheit bringt er heran (oder mit der Entschuldigung), von die journalistische Welt Canallesco und die Nähen des Komödiantentums funken. Tony Curtis übernimmt den abstoßenden Mitprotagonisten, der die Typenlehre des Emporkömmlings ohne Gewissen einführt, der Egoist, der vorhat, die Umgebung zu seiner Gunst zu manipulieren. Obwohl das, was er hier macht in Wirklichkeit, darin besteht, es eher in der Vollkommenheit zu bestimmen, weil die Persönlichkeit von Alec Guinnes in (wieder) Dem Menschen des weißen Anzugs schon seit einer Optik gesehene Striche ähnliche aber von humoristischem Cartoon und giftiger Satire im Grund aber freundlich in der Oberfläche vorstellt. Machen Sie etwas Ähnliches dazwischen, was MacKendrick im Band verwirklichen würde, dass das sein Abschied, die erfolglose und unverstanden in seinem Tag war, (und heute immer noch hängender aus Revision) keine Wellen (1967), gedrehtes Porträt der amerikanischen Gesellschaft des Triumphes, kohärent ambientada in einem fortwährend sonnigen Kalifornien von schöne und reiche, zu der ein Tony Curtis jeder Zynismus Zugang haben will.

Zwischen Strümpfen dieser Arbeiten verkrusten sie (außer einigen Arbeiten, ohne und mancher anderer vereitelter) zwei Filme von kindlichen Abenteuern, Sammy, Flucht gegen den Süden (1963) nachzuweisen, dass ich beklage, gesehen zu haben nicht und dass er mit immer großem Edward G. Robinson und diesem wesentlichen Stück rechnet, das Wind in den Kerzen ist.

Und so kommen wir zu ihr, aber sie ist es obligatorisch, bevor wir eintreten um, ein bisschen zu beschreiben, die seltsame Abneigungsbeziehung festzustellen, dass MacKendrick, ein Mensch im Übrigen übertrieben bescheidener, dass Wichtigkeit immer abnahm, wenn gleicher und in seiner Arbeit ein bisschen nach Art des Mario Bava, er hinsichtlich dieses Meisterwerks fühlte. In einer fantastischen 1988 verwirklichten Zusammenkunft von Antonio Castro in der Zeitschrift Gerichtet durch … (freundlich angepasst der Direktor von Christian Aguilera, dem ich dafür unendlich danke und der auch in Blicken des Kinos gelesen sein kann), mit extremer Rohheit, seine Betrachtung des fehlgeschlagenen und sogar frustrierenden Films klärt, nachdem er sich vom Projekt entfernt hat, das original in Geist hatte, (und der während vieler Jahre hatte, da er während der 15 versucht hat, im Kino den hervorragenden Roman von Richard Hughes zu bringen), in dem der Standpunkt, den er im Zuschauer führte die erzählende Mitte, ausschließlich dieser der Kinder war, statt sich gegen die Persönlichkeit von Coburn zu verschieben, die der ist, der die Tatsachen "von draußen" betrachtet. Dieses Projekt, das er nach seinen eigenen Wörtern Zanuck, der der Haupterzeuger war, nie ihnen erlaubt hatte zu filmen, wurde im Tisch der Montage sogar beschnitten, ein Vorwort ausrottend, das er Rechenschaft des Lebens der Kinder in der Insel ablegte (eine der besten Teile vom Roman natürlich, den sein Neugieriger Zustand, zwischen der Zivilisation und der Wildheit und seiner Beziehung mit seinen Sklaven, seinen Eltern und besonders zeigt, die Erfahrung des Todes, etwas, dass späterer Seeräuber Punkt durch Punkt in seiner Odyssee wiederholen wird). Sicher ist er, wenn das Ergebnis beeindruckend ist genauso wie geblieben, er erschüttert, zu denken darin, was ein Film sein konnte, in dem ein Kritiker von time Magazine im Augenblick seiner Einweihung als "… bestimmt hat, Shirley Temple zu sehen, ein fröhliches Lied in einem Schiff zu singen, während er in einem Jungen zerteilt".

Dieser Satz bestimmt auf argloser Shirley mit Witz von Punch line die unheilvollen Eingeweide des Filmes, der die Gattungsleichtigkeit und das gesüßte Gift spielt, während der Desmitificador grässlich die Dämmerung der Gattung und der Zeit mit dem freien Anblick der grausamen Fabel vorweist (er nicht kostenlos ist, beschreiben Sie von den Nichtaldigern ausführlich, Transvestiten das Schiff angreifend, in dem die Kinder reisen). Eine Erzählung für Erwachsene reicher an ungesunden Einzelheiten (die Kinder, mit dem Kopf der Figur der Galionsfigur spielend, während die Seeräuber, … terrorisiert bleiben) und seltsame Beziehungen, die die Liebe, die Besessenheit und die gegenseitige Faszination, innerhalb eines komplizierten begreifenden und dramatischen Fachwerks schmelzen / verwechseln, das Umgebung im Austausch der Verzeichnisse, in der Macht und besonders in diesem destruktiven Fassungsvermögen der Unschuld schon berichtet früher dreht. Ein Umsturz, der das Reaktionsfassungsvermögen vor der nahe bevorstehenden Katastrophe und der corporeiza in dieser Gelegenheit in diesem Sehen personalísima vom kindlichen Weltall ungültig gemacht lässt, das nichts mehr gestattet, der die Wahrheit und der erreicht ist, (entsteht und hier ich "intertextualizo" in gleicher) mit einer Einfachheit, die er von Beobachtung und tiefem Verständnis vermischt, von welcher ein Fassungsvermögen von psychologischem Eindringen und einer erstaunlichen, gnädigen Empfindlichkeit zum Nachahmen und eine kindliche Denkweise zu übertragen, ohne zu fälschen. Mit ganzer seiner komplizierter Form, seiner absurden Logik und seiner ungekochten Schönheit. Ein Triumph jetzt allein vergleichbarer im Lehramt von Hayao Miyazaki, besonders in der ergreifenden Reinheit dieses Meisterwerks, das Mein Nachbar Totoro (1988) ist. Der Autor behandelt die Kinder wie Erwachsene, noch wie in Idioten nicht. Er behandelt sie wie in Kindern. Seine Kammer gehorcht den Vorschriften von John Ford; er wird auf der Höhe vom Blick gestellt. Er rahmt sie seit derselben Ebene, sowohl physischer als auch moralischer / intellektueller ein. So neigt dazu, die übertrieben weitverbreiteten Linien zwischen dem Gut und dem schlechten Klang und dem Gewissen, mehr inmitten des ähnlichen Milieus von Barbarei und Abenteuer, ersetzt für gut verschiedene Werte zu verschwinden, auf der Hülle des Schiffes dieselbe Dichotomie zwischen Wildheit und Zivilisation sich wiederholend, die sie in der Insel aber mit dem Unterschied der Abwesenheit des Gegengewichts parental erprobten. Von gleicher Art wird der Tod ein basisches Element der Reise sein, so viel ist die wirkliche (einer der Brüder nebensächlich sterben wird und das Schicksal der Captores) wie symbolisch verhängnisvoll versiegelt.

Aber natürlich hält sich diese ganze einflussreiche Last als ein bereicherndes Substrat und sibilinamente geduckt unter seinem ausgelassenen Anblick, seiner formalen sauberen und einfachen Schönheit, seiner vibrierenden Leitung, seinem großartigen Soundtrack und einigen großen Interpretationen seiner sensationellen Verteilung besonders von einem Anthony Quinn, kindlichem und besiegtem, und einem Turbadora Deborah Baxter der magnetischen und beunruhigenden Gegenwart, gleichzeitig hilflose und unversöhnliche. Ein ergreifender, aufrichtiger und durchdringender Film, der sich mit einem der brutalsten Enden von der Geschichte des in seinem Frömmigkeitsfehler erschütternden Kinos, schließt.

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Beretta 70: Die Polizei verhaftet, das Gesetz juzga/Il großer Racket, der Poliziottesco im Maße wie Enzo G. Castellari. Aktie, Politik und amarillismo, die Alter der Gattung

Ich kehre zum chemisch reinen Poliziottesco über einen seines mehr Emperrados Züchter zurück, dieser Steinhauer der Kammer, die Enzo G war. Castellari Pfeilerin der Industrie (er sogar die von der vom Hormigueante unterstützte Räude der Dritten Welt Jahre post-apocalítica gehalten hat) Tätigkeit des populären Kinos des Alters der Koproduktionen. Ein hyperproduktives, freches Substrat, intermitentemente genialer und schamlos geiziger, der, nicht nur das Vorhandensein der unvergesslichen Zeit für die Gattung sondern die Möglichkeit des Glanzes autoral während über zwei Dekaden in allgemeinem Europa und im Italien des "wirtschaftlichen Wunders" besonders erlaubt hat. So dass eine Erinnerung und ein Dank durch die über diese doppelte Sitzung geliehenen Dienste, die zwei seinen Arbeiten in den Gebieten der Polizeiaktie loskauft (neben dem spaghetti-Wildwestfilm - dieser abstrakter, symbolischer und medievalizante Delirium, das Keoma 1976 war, zum Beispiel - der Ort, wo er sein beste Anstrengung) mit Der Polizei ließ, das Gesetz verhaftet, und großer Il Racket beurteilt, Filme, die den glänzenden Glanz und Degradierung des Polizei-transalpinen Kinos vorstellen, von der tobsüchtigen Anzeige bis zur Aktie Eselin in nur drei Jahren. Und er ist, dass "eine intensive Zeit Kino noch einmal" erlebt.

149 Minuten der Zusammenkunft in Enzo. Castellari im Programm des Radius Sunset Boulevard in Artegalia

Die Polizei verhaftet, das Gesetz beurteilt (Der Polizia den Legge assolve beschuldigt)

Jahr: 1973

Land: Italien

100 Min.

Er fotografiert: Alejandro Ulloa

Musik: Guido und Maurizio De Angelis

Standarte: Enzo G. Castellari, Gianfranco Clerici, Vincenzo Mannino und Leonardo Martín

Ich verteile: Franco Nero, James Whitmore, Delia Boccardo, Fernando Rey, Duilio Del Prete, Silvano Tranquilli, verhaftet Ely Galleani Die Polizei, das Gesetz beurteilt immer noch ist in der Thematik und dem Geist der spaghetti-Anzeige nah, die Damiano Damiani mit Geständnissen des Kommissars 1971 einweihte, ein politisches Kino, das die populäre Kraft der Gattung, seiner Kodes und seiner ästhetischen Rauheit benutzte. Castellari bringt einen der Samenwertpapiere dann vom Strom, personifiziert mit seinem tobsüchtigen gewöhnlichen, überfüllten Stil der Kammer in Hand und Montage in hachazos ein.

Die Geschichte dünstet ein unleugbarer vom Fassungsvermögen geborener Realismus aus, (ganz es demagogische, der gewollt wird), um in Bildern und Trieben den Pathos der italienischen Gesellschaft der Zeit zu übersetzen. Und nämlich, dass sich die Echtheit dieses Films nur in seiner Form fílmica dringende in der sensationellen Benutzung der Geographie genovesa, perfekte mit seinen verzwickten gepflasterten fertigen Straßen für die tobsüchtigen Verfolgungen und die runde Aktie im Rhythmus von Guido und Maurizio De Angelis, sondern in diesen primären dramatischen, so schematischen Eingeweiden, amarillista und tremendista nicht befindet, wie er scheint, mit der Immortelle Geschichte des vollständigen oberen Kräften, dunklen staatlichen Mächten entgegengetretenen Menschen, die verhindern, zur Wahrheit zu kommen. Papier, das auf einem Franco Nero, verwandelten schon in untrennbare Gegenwart der Unter-Gattung, immer sufridora aber indoblegable doppelte Fleischwerdung, einerseits der halbe den Achsen entgegengetretene Städter des verdorbenen "Systems" fällt, habe ich durch anderen diese Figur von "Kommissar ferro" als letztes sicheres Geleit, ein Urbild gegeben, das Maurizio Merli bis seine groteske ganze Reduzierung bringen würde und das hier von seiner Andacht gegen seine Tochter humanisiert ist.

Jenseits dieses Fassungsvermögens ist die Geschichte mit aller Sicherheit unüberlegte oder geborene von einer rein wirtschaftlichen Willenskraft von Aprovecahmiento des soziologischen Phänomens, das in der Gewalt und in der Angst in seinem Epizentrum hatte, verzwickt und verworrener als dicht, worin es hinzuzufügen nötig ist, dass die politische Kritik nie den dicken Strich übertrifft. Aber so beenden die Grundlagen des Poliziottesco setentero sich hinzusetzen. Einige Charakteristika, in denen es nötig ist, den Charakter zusammenzuzählen, (oder (ich zu bleiben, weil das aufhört, ein Problem) Derivativ der ganzen Erfindung, ein frecher Exploit (natürlich, wiederverwandelt schnell in ein typisch italienisches Produkt aufgrund von insuflar eine nicht übertragbare kreischende Persönlichkeit und ein charismatischer Horterez) The French Connection von William Friedkin zu sein, warum von den Verfolgungen, in dieser und in anderen, er auch dort ist kastriere ich), der sogar Fernando Rey Beschwerde einlegt, damit er sich wieder von elegantem und sibyllinischem Verbrecher anzieht, in diesem Fall ein Veteran in dem, den die jungen Generationen zurückzuziehen vorhaben und der interesadamente dem Kommissar helfen wird, Protagonist.

In irgendeinem Fall ein Rechnung zu tragender Film, so viel, wenn er gleicher (er hingehalten ist und glänzender, nie den Rhythmus verliert und alles gibt, das verspricht) wie um dieser Abglanz in schmutziger von der italienischen Wirklichkeit seit der Perspektive des populären Kinos unterrichteten von zu sein, den "die Meldung" (obwohl er zweideutig ist und rutschiger) besser mit Feuerwerken, Karrieren, Würfen und Akten filtert.

Castellari, großen sekundären James Withmore während des Drehens Der Polizei richtend, verhaftet, das Gesetz beurteilt

Großer Il Racket (Straßenräuber 77)

Jahr: 1976

Land: Italien

104 Min.

Er fotografiert: Marcello Masciocchi

Musik: Guido und Maurizio De Angelis

Standarte: Enzo G. Castellari, Massimo De Rita Y Arduino Maiuri

Ich verteile: Fabio Testi, Vincent Gardenia, Renzo Palmer, Orso Maria Guerrini, Hellgrüner Onorato, Marcella Michelangeli, Romano Puppo

Großer Il ist 77 Racket oder Straßenräuber, eine schon sehr verschiedene Sache. Im Moment war der politische Bestandteil so verdünnt und man hatte in so extrem demagogischer verwandelt, dass es schon wie eine Karikatur wirkt. Die sozialen Absichten sind gegangen, nachdem ein Umhang Farbenkünstler mehr war (das, falls sie früher es auch nicht waren, obwohl nicht auf eine so ungeschickte Weise), Ideologie durch Ohrringe Verdächtige gleitet und, was in diesem Exemplar des "zweiten Alters des Euroverbrechens bleibt" ein Disfrutable Ration der Aktie ohne Komplikationen ist.

Gewiss war Castellari nie ein feiner Stilist aber immer hat er sich sie bereitgestellt, um unvergessliche Augenblicke in seinem Geschmack durch die unmöglichen Bildausschnitte zu lassen (eingeschlossen seine Fixierung indem es über Kreise einrahmen: Leitungen, Löcher, …) und die Ästhetik zwischen estilosa und brutota, dass hier eine fantastische Probe in der prunkvollen Szene, in der, das Auto von Fabio Testi, mit Fabio Testi drinnen, von einer Aufschüttung geworfen ist, hin und her überlegend. Alles Gefilmtes werden schwimmende Kriställe aus dem Inneren, mit Kammer und den Sitzen unterworfenem Schauspieler und nachgebildet in "Super-Zeitlupe" mit einer Wirkung alucinatorio von Hänge-Zeit und (Guy Ritchie oder Zack Snyder sich nicht einbilden, die etwas erfunden haben).

Die Geschichte gibt für viel nicht und diese Archivarin (Polizist sich indoblegable und von wenig orthodoxen Methoden, wenn Harry der schmutzige anderer wesentlicher Film in der Unter-Gattung ist, wie er nicht schwer ist, gegenübergestellt in einem Rohling gang vorherzusehen, deren Vorrücken seit "oben"), aber der Direktor in einem neugierigen Strich standhaft behindert ist, der wie Urheberschaft wirkt, sie bereitstellt, um sie gegen einen seiner Lieblingsböden abzuleiten: Die heterogene von der Kraft gesammelte Gruppe des Umstandes und gemusst mitzuarbeiten. Töte sie Lieblingsthema von vieles Glück behandeltes Castellari in Wertpapieren als der fabelhafte Eurowildwestfilm und drehe von Chuck "die Hauptrolle gespielten (1969) Dem Mensch der Büchse" Connors oder die jetzt sehr berühmt Jener verfluchte gepanzerte Zug der 77 um (deren Verwandtschaft mit den Verfluchten Bastarden tarantinianos jenseits des Zwinkerns in seinen Titel anglo und ein Paar Costühle hier oder dort nicht geht, wie sehr auch vieler unbesetzt Juntaletras begonnen hat es in Stimmen als ein wörtliches Remake und nicht als eine Einatmung / Zwinkern / Ehrerbietung), einer vom knapp Wertpapiere salvables (von frecher und griesgrämiger Zigarre) von zwischen den kleine Fischen des Nazis - Wildwestfilms (oder spaghetti-war öffentlich auszurufen, wie er vorgezogen wird).

Auf diese Weise setzt das letzte Drittel eine lange Klimax der primären Aktie voraus, wo der Held in einer kunterbunten Nummer von geschädigt rekrutiert (ein altgedienter Taschendieb, den der vortreffliche sekundäre Nordamerikaner Vincent Gardenia interpretiert, ein Mafiosote in Ungnade gefallen und gemusst, ein metallenes Korsett zu bringen, ein berufsmäßiger Mörder jetzt zwischen Gittern, der in einen Psychopath verwandelter Vater des verletzten und ermordeten jungen Mannes und einen olympischen Schützen, dessen Frau belästigt und verbrannt wurde, weil er der Polizei während eines Treffens geholfen hat). Eine eigenartig brutale Szene, die die üppige Vermehrung der grafischen Gewalt und progressiver Brutalización bescheinigt, dass esclerotizó, nicht nur in den Poliziotteschi, sondern in allem das Kino noch einmal) durch die Nichtaldiger, um sie in einer verzweifelten Aktie die Stirn zu bieten, die Gerechtigkeit bringend, wohin das Gesetz, in einem definitiven von langsamer Kammer und Aufschlägen vollen Showdown in erster Ebene nicht kommt, die keine Waffenruhe gibt und fast die ewigen gesetzten Schießereien des Mode-Heroic-Bloodshell hongkones influssreicher John Woo durch, in Zeiten, ahnen lässt.

Sicher ist er auf der Höhe von mehr verarbeitenden Arbeiten nicht, wie Die Polizei verhaftet, das Gesetz beurteilt oder sogar die spätere Der Weg der Droge (1977), aber ist Handwerk in richtigem Brief, einer Arbeit des Fachmannes, der niemanden betrügt und alles gibt, was er anzeigt: Aktie in riesigen Mengen, Musik fardona, Populismus und Blei für die Bösewichte. Mailand zittert die Polizei bittet um Gerechtigkeit

Milan odia:la polizia ungerade puo Sparare

Rom in Hand armata

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"Das ist sein Leben": Profesionalac, eine Balkankomödie. Das Wort und das Werk von Dusan Kovacevic, Satire, Zartheit und Geschichte Jugoslawin

Profesionalac hat, 2003, die Rückreise in der Leitung des großen Dramatikers und Drehbuchautors vorausgesetzt (außer politischem Aktivisten) Dusan Kovacevic über zwanzig Jahre nach dem Klassiker Der Spion des Balkans (kommentiert hier). In dieser Gelegenheit schon allein und wieder, ein eigenes Theaterstück des Jahres 1990 anpassend (natürlich herausgegeben in Spanien durch Bug 2005 mit Übersetzung anderen Dramatikers, das Katalanisch Jordi Galcerán) so erfolgreiche wie die Mehrheit der Arbeit des Autors, drohender Weiser des gesellschaftspolitischen Sulfids, der Komödie Autor des Costumbrismo / verrückte und die Virguerías simbólicas/metalingüisticas. Nie hat er, immer affektiert, besorgt vermieden, weil die "Meldung", die "These" den Zeitvertreib nicht essen oder von dem diese ausschließlich in seinem Dienst ist. Erlaubend, dass die Kritik gegen das System gewöhnlich die Form der Posse, manchmal lachend, manchmal traurig, immer schwermütig und einen Punkt makabere nimmt. Als ob seine Texte eine Art auf Flaschen ziehen wollten zu sein einen Begriff "vom Serbischen", was ebenso den Fatalismus und den Rummel, den Verzicht und den Spott verehrt. Eine Klarheit, die direkt von der organischen Kenntnis der Niederlage ausgeht.

Dusan Kovacevic (linke Hand), Bora Todorovic richtend

Er wäre außerordentlich trocken, anzufangen, hier das Werk als Drehbuchautor von Kovacevic auszukörnen (tief, Slobodan Sijan, Goran Paskaljevic, Goran Markovic oder Emir Kusturica heruntergerollt deren Vorzeichen haben), so dass ich genügt habe zu sagen, dass die Gegenwart ohne seinen Wettbewerb das jugoslawische Kino seit den 80 sogar völlig unterschiedlich wäre. Seit den rauen Komödien Korallen (Ko to Spreu peva, 1980), bis die historistische Revision (Maratonci trce pocasni krug 1982, Underground 1995 oder in anderem Ton sein Recientísimo Standarte für luxuriösen Sveti Georgije ubiva azdahu schon 2009), durch die unterirdischen und karikaturistischen Kritiken des Kommunismus und des Post-Titismo (Poseban tretman 1980 oder schon erwähntem Balkanski spijun en1984) oder die nahe Empfindlichkeit im zauberhaften Realismus gehend (eine große Tradition Russin Balkan- und natürlich nicht immer nötig ist, sich sie im "boom Lateinamerikaner" zuzuteilen) von schönem Sabirni Centar (1989), einer einzelnen Fabel auf der Ausdauer der Erinnerung und der doppelten Natur des Todes, der Physik und diesem der Erinnerung. In irgendeinem Fall eine unentbehrliche Persönlichkeit und ein neugieriger Fall der indirekten Urheberschaft, da der Stil von Kovacevic in der Dramaturgie und dem Text, sein außerordentliches Hellsehen und seine Zartheit auf fast auferlegt werden (vielleicht Kusturica die Ausnahme in manchen Anblicken war, obwohl er Selbst in Wirklichkeit von Kovacevic der Primerísimos 80) irgendein Direktor beeinflusst ist, bis den Punkt, behaupten zu können, dass ein von Dusan Kovacevic geschriebener Film ein Film von Dusan Kovacevic ist. Und jetzt, wenn, jetzt Profesionalac. Dieses Werk, ein riesiger Triumph über die Bühnen, (das eine unübliche Besonderheit des Autors ist: er ist eine bleibend kritische und herausfordernde aber paradox populäre Figur und Schalterbeamter, ein außerordentlicher Equilibrista hatten zwischen dem Heiken und dem Mainstream) schon eine Fernsehanpassung 1990 mit zwei größerem Ruhm der jugoslawischen Tätigkeit als Danilo "Morgenrock" Stojkovic und entwaffnender Bogdan Diklic gekannt (einer der Schauspieler der talentierteste, den ich in meinem Leben) als die Geheimpolizei und der ehemalige Dissident gesehen habe, den er während der Jahre überwacht hat.

Kovacevic erlangt ein Werk wieder, das er neugierig vorhergeht (und er kann, es handelt falsche Tiefe als eine Variante für besser) in nicht wenigen thematischen Anblicken in einem blutlosen Fraß als Das Leben der anderen (2005), perfektes Beispiel von im Sonntagsstaat europäischem Qualitè, der eine gute Idee aufgrund von Anmaßung transcendentalista aufbläst, und gezähmt Ästhetik der luxuriösen Reihe. Und gegenüber so viel Dramatik ohne authentisches Drama, akklimatisiert diese schwarze Komödie den originalen (Gattung indisociable vom Balkankino) im Gegenwartsserbien, zwei Zeiten der Erzählung aktuell und im Jugoslawien in vollem Einsturz während der 90-er Jahre legend, (wesentlicher in diesem Sinn das Sehr Gute Die Balkanfalle von F rancisco von Grijalbo veröffentlichter Veiga 1994 und überprüft 2002), eine Änderung, die nur in der Kraft die Rede zustattet und den Aufschlag seines sardonischen Endes lampedusiano zu vervielfachen.

Zum Unglück ist das der Film, wenn er einerseits vom bleibenden Problem in den Standarten von Kovacevic spürt, seine übermäßig theatralische Mechanik (hier teilweise versteckt von den Konstanten flashbacks, dass sie den Einschlag zurückgeführten kaum auf eine lüften, Zimmer), und durch andere einer ziemlich flachen, knappen Inszenierung in rein Filmmitteln und streng funktionell. Ein Nachteil gestillter teilweise von den rein "ästhetischen" Fähigkeiten der Wörter und von der begreifenden Kraft, dem historischen Scharfblick und dem komischen Schwung. Und nämlich, ist Kovacevic ein guter Direktor nicht, aber ist ein Mensch mit Ideen und Fassungsvermögen, um, mit einem drückenden Beruf und echtem Talent zu zählen, eine Kombination, die er dient, um mehr auszugehen, dass anmutiger vom Versuch und um zu enden, um einen überfüllten Film von Fähigkeiten zu liefern, die in einfacher Aussicht und einigen andere Unantastbarere Und Wesentliche sehen.

So ist die Trauer der Persönlichkeiten in der einzigen mit diesen standhaften Sprüngen entlüfteter Bühne des Büros, in der Vergangenheit, in einer dieser metaphorischen typischen Operationen vom Autor ergänzt (etwas, was als Spiegel der Hauptgeschichte, ein Teatralización funktioniert, der ein Werk innerhalb des Werks ist und der durch diese zentrale Schicksalswendung in kommentiert / ergänzt "sie in Szene"), durch den Streik zu setzen, der sich im Leitartikel entwickelt, (und das von einem heftigen Ex-Petzer kommandiert ist und Mörder der Polizei), das die Persönlichkeit von Branislav Lecic richtet: Teodor Teja Kraj ein ehemaliger politischer Führer gegen Milosevic, frustrierten Schriftsteller und universitären über Unternehmer wiedergeeinigten Lehrer, der den Idealismus durch den Pragmatismus vergessen hat. Eine Persönlichkeit, dass, ein Tag den Besuch eines Hombrecillo, Luka Laban Chef der Polizei der ehemaligen Regierungsform erhält, die ihm einige Bücher und einen Koffer liefert, der wörtlich seine Vergangenheit, ein von dem zusammengestelltes Leben enthält, der begonnen hat ihn zu überwachen.

Der Film wird in einem zweifach von Hauptpersönlichkeiten fabelhafte aber einem Punkt aus dem Gleichgewicht gebracht zugunsten vom denkwürdigen Kommissar unterstützt, der Bora Todorovic mit seiner gewöhnlichen Wirtschaft von Mitteln und seinem ausführlichen komischen "Timming", gegründeten genau auf der Mäßigung gestual, hier außerdem bereichert vom eigenen physischen Verfall des Schauspielers zusammenstellt, was immer noch mehr seine gewöhnliche resignierte und schwermütige Miene potenziert. Aber wenn auch es gewiss ist, dass Lecic beendet nicht, die Gestalt als partenaire zu geben und dass er ein etwas starrer Schauspieler, seine Gegenwart ist, (antwortet er anstelle von demselben Diklic, zum Beispiel) auf eine verschiedene Willenskraft. Und er ist, dass der Schauspieler hier eine Veränderung interpretiert, wenn die eingerückten Dokumentarfilme des Films gleicher, und infolgedessen wirklich sind, Zeugnis seines Mítines und Tätigkeiten handelt, wenn Dämon den Pli revolucija führte (und in einem von ihnen er kann, in eigenem Kovacevic, seit der wirklichen Vergangenheit in den Film eingreifend, der seit der Gegenwart dirigiert), infolgedessen verwischt Persönlichkeit und Schauspieler Grenzen sein für refundirse in nur einem und sie statten im Film und in der Persönlichkeit der unterschiedlichen, nahen Ausdehnung in der Selbstfiktion aus. Eine gefährliche Einstellung, die nicht nur die gewöhnliche Metafiktion in Kovacevic benutzt, sondern er Wirklichkeitsverzeichnisse in Verstellungsgebieten einführt. Einem Zusammenstoß das Erzählte gegen erlebt unterwerfend, die Gegenüberstellung zwischen Persönlichkeiten in eine persönliche Teufelsaustreibung verwandelnd. Ein Eintauchen in der unmittelbaren Vergangenheit des Landes und der Generation über die "dramatisierte", stilisierte Version, von einem von ihnen als Symbol des Restes.
Aber dieser Untertext, dieses doppelte Niveau, ist in Strich von der Leitung und der Schrift immer gehalten, auf solche Weise, wie ich zu einer ersten Ebene nicht übergegangen bin, sondern er sich als bereicherndes Element und nicht als einziger hält. Kovacevic stellt dann seine glänzende Handhabung des Gag, mit spezieller Erwähnung in seinem klugen Gebrauch "des Rückläufigen" zur Schau (der Freund immer descalabrado, die Blondine, die durch Besprechen …) und in seinem Fehler der Vorurteile erscheint, um zum Vodevil zu greifen: Aber besonders zählt der Film wesentlichen Treffer mit einer: Alles auf eine völlig ernste Weise und einen drohenden Punkt zu beginnen, um es dann progressiv absurd umzudrehen, (eine Paranoiaübung prächtig erreichte auch im Spion des Balkans, wo das Lachen von der Angst entsteht), so machend, dass die Komik durch Kontrast funktioniert.

Die Jagd und Wachsamkeit wird auf Dachziegel als eine Art des Thrillers geöffnet, der reporteril Wiederaufbau und Abstraktion kafkiana vermischt und durch Augenblicke in seine eigene Parodie umgebildet wird (das, was in gewisse Art sie in noch mehr schreckliche) mit diesem Kommissar verwandelt, mit seinem Mortadelianos erscheinend, in allen Augenblicken des Lebens des Protagonisten verkleide (genialer die Einzelheit des unterschiedlichen Schnurrbartes jedes Mal oder dieser der in demselben Akkord gestrandeten Musiker, nachdem du es während seines ersten Erscheinens als unwahrscheinlicher Verkäufer der Zeitungen in der Imbissstube erkennst, wo sich der Protagonist mit seinen Freunden versammelt) und die Leitung der gleichen bestimmend zuerst, versuchend, es zu töten und dann, es rettend, nachdem es es verliebt in sein eigen Tochter aufdeckend, ohne dass wir richtig handeln, nachdem unterscheidet, der zwei Versuche dümmer und unordentlich ist. So ist jede Operation lächerlicher und übergeschnappter (grandioser die Entfaltung der als Papa verkleideten Polizisten Noel und descacharrante der Augenblick, in dem er in Arm den Protagonisten bringt, nachdem er von einem Zug in Weggang) in einem Ersteigen stürzt, das sucht die absurde idiotische Zigarre des bis das Mark verfaulen gelassenen Systems rasenden und auszuziehen.

Ein Film, der sich ausgeruht verbessert und der eine Lebens- und persönliche Strecke durch die frische Geschichte von Serbien während einer Dekade in dem voraussetzt, den die Hölle im Herzen von Europa installiert hat, indem ihm große Sache einzuführen auf niemanden schien. Ein unheilvoller Spaziergang durch die ausspionierte und manipulierte Erinnerung der Hand des Menschen, der sein Leben der Hand von jemandem wieder aufbaut, der, seit dem Schatten, sie besser kennt, als.

Profesionalac (The Professional)

Direktor: Dusan Kovacevic

Jahr: 2003

Land: Serbien

104 Min.

Er fotografiert: Bozidar 'Bota' Nikolic

Musik: Momcilo 'Bajaga' Bajagic

Standarte: Dusan Kovacevic

Ich verteile: Bora Todorovic, Branislav Lecic, Natasa Ninkovic, Dragan Jovanovic, Josif Tatic, Miodrag Krstovic, Renata Ulmanski, Milos Stojanovic, Sergej Trifunovic

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"Sie hommes zwischen eux": Der Tag des Zorns. Tonino Valerii, Lehrzeit und Reflexion zwischen dem Eurowildwestfilm und dem amerikanischen Klassizismus.

Der Tag des Zorns (I Giorni dell'ira)

Direktor: Tonino Valerii

Jahr: 1967

Land: Italien / Deutschland

112 Min.

Er fotografiert: Enzo Serafin

Musik: Riz Ortolani

Standarte: Ernesto Gastaldi, Renzo Genta Y Tonino Valerii im Maße wie der Roman von Ron Barker Der Tod Ritt Diemstags (¿?)

Ich verteile: Lee Van Cleef, Giuliano Gemma, Walter Rilla, Christa Linder, Ennio Balbo, Lukas Ammann, Andrea Bosic, Pepe Calvo, Giorgio Gargiullo, Anna Orso

Ein wirklich außerordentlicher Film und einer von die besten spaghetti-Wildwestfilm erzeugt in jedem Europa, das das Meisterwerk von Tonino Valerii voraussetzt (schon beansprucht Mein Name hier mit seinem neugierigen Zwielicht- und selbstbewussten Eurowildwestfilm niemand und mit einem Neugierigen giallo als blutiges Inhaltsverzeichnis des kleinen Estefanía ist, ein Film, dessen Persönlichkeit vom Kontrast zwischen der moralischen Grundschäbigkeit und der polierten Form fílmica entsteht, den er), persönlicher Direktor (und ignoriert) als wenige während der Zeit und vielleicht der annimmt, der mehr das Gewicht von Leone als Legende gefühlt hat (von dem er außerdem Mitarbeiter war), obwohl er der ist, der mehr bewusste Anstrengung verwirklicht hat, um sich von seinem Égida zu lösen. (Hier eine Zusammenkunft in Valerii und im vortrefflichen Kritiker und Historiker Roberto Curti)

Auf einer vortrefflichen Standarte wendet der väterlichen - untergeordneten Geschichte zwischen einem jungen verachteten und nicht angepassten Bastard und einem kalten Pistolenschützen, der er unter seinem Schutz trinken wird, während er ein kleines Dorf aufgrund von Blei und Angst beherrscht, Valerii seine absolut intime Auffassung des Gattungskinos an (geteilt mit einem Aprpar der spanischen Autoren: Joaquín Romero-Marchent und Eugenio Martín) über eine eleganten Planung und eine Erzählung und "klare Linie", triumphierend, nachdem es hauptsächlich in den nordamerikanischen Klassikern schickend, (besonders großartige Jäger der Straßenräuber-1957 - von Anthony Mann, obwohl mit verschiedenem dramatischem Sinn und in der "psychologischen" Schule besonders sogar mit Ähnlichkeiten italianizadas mit dem monumentalen Roman von Oakley Hall, Warlock, mediocremente angepasste / vereinfache durch Edward Dmytryk im Menschen der Goldpistolen, 1959) und sich beschränkend nicht, nachdem Leone der Art die Erzader seguidista nutzend.

Und er macht es bis den Punkt von, der sich Der Tag des Zorns als ein großer Wildwestfilm in trockene, ohne Nachnamen anpasst, der für einen Gipfel, durch begreifende Dichte, moralische Tiefe und nachdenkliche Schärfe gehalten würde von in einem Augenblick und einige so eigenartige Koordinaten nicht gehören.

Außerdem verachtet Valerii das Styling und den Überschuss auch nicht in der Charakterisierung (Schuldnerin der Reihe - B, des Tebeo und des Pulp als perfekte Beispiele der ausdrucksvollen Wirtschaft der des Kinos eigen Mittel) der italienischen Gattung, klug benutzt in Einzelheiten als der mythische Charakter (von dem eine bewusste und tiefe Analyse außerdem unternommen wird) in der eigenen Persönlichkeit des Hitman (die entzückend übergeschnappte Trauer, zum Beispiel dieser, der sich reitend entwickelt, als ob das eine mittelalterliche Tjost) oder in dieser zu Doc Holliday zugehörigen Pistole war, die der Junge als einzige Erbe anhäuft und die die Wichtigkeit icónica von den Objekten wie Bestandteilen von einer reflektiert, eingebildetes wesentliches Ritual im Weltall des Eurowildwestfilms.

Aber der Film würde an einem bescheidenen Versuch nicht gehen, wenn alles dafür im (minimalen und schematischen) Einschlag bürgen würde, die wirkliche Macht dieser Arbeit wohnt in seinen sensationellen Persönlichkeiten Protagonisten, einem absolut stellaren Duett von beide sehr gut Interpretierte: Giuliano Gemma, von seinem Urbild, einer Art von immer lächelndem mediterranem, athletischem und positivem Burt Lancaster auslaufend, den er für die festlichen Wertpapiere versucht hat, in denen Duccio Tesari versucht hat, eine festliche und unschuldig makellose Alternative zur Räude und dem Brutalización der Gattung anzubieten. Gemma, ist in seiner besten Interpretation, zerschlagen Junge, dass er weder Nachnamen hat (das Frank Talby sein wird, der es, ungiéndolo so von Mannhaftigkeit und Anstand zum ersten Mal tauft) und den die ganze Welt Lee Van Cleef, progressiv verwandelt in einen fieberhaften Pistolenschützen durch die Macht der Waffen und durch den Einfluss seines Lehrers, ein missbraucht, der den Film mit seinem unerschütterlichen und gnadenlosen Porto des Falken kontrolliert (einfach unvergesslicher, er so viel als seine "Krönung Mortimer" Des Todes einen Preis hatte, der schon und nämlich).

Das ist diese vom Wildwestfilm so typische Beziehung des Meisters / Schülers, des Vaters / Sohns, andererseits, die er im Film ganzer seiner Kompliziertheit ausstattet (und von einer Lyrik, der der anthologische Score von Riz Ortolani nicht fremd ist) ich in der Gewalt und seinem Gebrauch, der Macht, der Dichotomie Gesetz / Gerechtigkeit halb schließe, nachdem er um die gleiche eine Reihe von Ideen und Reflexionen begründet, (oder eher, "wer" sie) und die Entzauberung, mit dem Bestandteil von Reife und Evolution anwendet, die das verwickelt (und ganz ohne Anmaßung niemand). Eine Strecke von Lehrzeit und Bau der Persönlichkeit entwickelt Film-, auf solche Weise, wie das Entworfene während seiner ersten die Persönlichkeiten und das faszinierte Sehen halb geschlossen hat, das Scott von Talby hat (und mit ihm er wir, die Zuschauer, die wir bleibend von seiner subjektiven Wahrnehmung mitteilen), während der zweiten systematisch demontiert ist, in der die Persönlichkeit von Gemma, gleichzeitig, ins kahle und groteske Porträt von diesem von Van Cleef umgebildet wird und endlich Rechenschaft ablegt, er und von erkannt wird, wenn er gleicher und seinem Lehrer in diesem authentischen Bild, ohne zu idealisieren, von wohin gekommen ist, der in seiner Hand ist, es beenden. Obwohl er, paradox, durch die letzte Gewalttat sein sollen wird, in der er alle gelernten Lektionen wird anwenden sollen. Bis die letzte und unbarmherzig.

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